El espacio.

Empecemos con una serie de preguntas que siempre me he hecho pero han estado resonando en mi cabeza con mayor frecuencia últimamente. ¿Para qué intervengo un espacio? ¿Qué contrastaría la escena espacialmente?

Pensemos en algo que valga la pena mirar por si solo o que cobre sentido sólo cuando es habitado por emociones. Pareciera que va de la mano, no?… ¿Cómo es que un objeto recibe una carga emotiva? La experiencia, el tiempo, el símbolo y el significado, son algunos ejemplos. ¿Qué relación tengo con él? ¿Esa misma relación la tendrán los demás?

Acabo de iniciar tres proyectos nuevos y totalmente distintos. Uno lo dirige un amigo actor muy querido en el que hemos coincidido en proyectos anteriormente. Ha decidido iniciarse como director, un área en el que pareciera tiene cero experiencia pero a mi parecer, tiene mucha claridad en cuanto a la dirección del camino para la puesta en escena, siempre muy abierto a explorar todas las posibilidades. El segundo y tercero, es un director joven con experiencia y mucha pasión. Con claridad en sensaciones pero poca visibilidad en cuanto a lo que hay que habitar, lo que me da una libertad creativa muy divertida. Hemos trabajado juntos anteriormente, cuando escribo que dialogamos, me refiero intrínsecamente a confrontarnos, esa es la base de nuestra relación, colaboración y diversión. 

Las fechas de estreno son totalmente distintas, lo cuál me da una libertad en cuanto a condiciones de tiempo se refiere, para trabajar cómodamente.

Hablo particularmente de éstos 3 proyectos debido a que la escenografía e iluminación corren a mi cargo. Aunque bueno, ¿qué es la escenografía sin la luz? Y viceversa. No me pondré poética porque en estos tiempos de producción, a veces sólo diseñas un área, otras diseñas todas y en realidad, ese no es el tema que quiero hablar ahora. 

Regresando a los proyectos…

Los tres tienen temáticas distintas, visiones y posturas del teatro totalmente opuestas pero el fin es común: contar una historia y conmover al espectador. En este momento, me encuentro en el inicio del proceso creativo con los 3. Estoy en esa etapa clave de explorar la imaginación para encontrar una respuesta emotiva con relación al espacio escénico. Como les mencionaba en otros posts, observar es clave para mi. Poner atención a lo que me atrae visualmente, por qué me atrajo y con qué conecto de esto que llamó mi atención. La historia que vamos a contar, necesita un espacio único y particular. Que necesita ser desarrollado bajo distintos lineamientos y consideraciones artísticas mencionadas anteriormente y técnicas, cómo las limitantes a favor o en contra del foro, el presupuesto, etc. Considero obligatorio cuestionarme de dónde vienen las ideas, lo que me dice el texto y el director. Estar abierta a la posibilidad del cambio y seguir explorando el espacio. 

Es justamente para esto que intervengo el espacio. Para encontrar la traducción espacial de la puesta en escena. Dar forma al espacio para dejar pasar la luz que esta por habitarse de lo humano. Encontrar el lugar para el ritual, lo magnífico, lo avasallador, siempre tomando como prioridad lo humano. Para seguir haciéndome preguntas y trabajando para intentar encontrar las respuestas…

Diseñadora de…

La esencia del teatro(para resumir en una palabra a las artes escénicas) es que es vivo y en vivo. La luz es el elemento que unifica la puesta en escena además de enfatizar y señalar la emoción y el significado completo de la obra para el espectador.

Para mi el proceso de diseñar iluminación consiste en hacerme varias preguntas constantemente, pensar en qué sensaciones me genera la pieza u obra que voy a iluminar, recordar, investigar, recolectar pistas para luego estudiarlas, observar ensayos, imaginar e imaginar hasta llegar a un punto introspectivo en el diálogo conmigo a la par del diálogo con el director. En palabras de Richard Pilbrow Imaginar ó concebir una visión y trabajar para hacerla realidad. 

Gracias a la tecnología y el gran desarrollo que ésta ha tenido a lo largo de los últimos años, hemos podido tener mayores herramientas para manipular la luz en el escenario. Es decir,  aprovechar al máximo el poder visual y emocional que aporta la iluminación. Aplicarle un poco de esto a la escena para acompañar e influenciar la acción con todo el potencial dramático que tiene. La chispa adecuada de estos elementos en el espacio escénico habitado por el actor(ó bailarín, cantante de ópera, etc) y estaremos creando un teatro vivo y alucinante… ó al menos, intentándolo. 

Básicamente, ese es mi trabajo. Algo así como pintar (parecido al trabajo de Rothko, Van Gogh ó Da Vinci, sin agraviar a mis ídolos) en tridimensional, tomando en cuenta todo lo anterior. Diseñadora de iluminación. 

4 tips básicos para el diseño de luz

Este post es para compartir un poco sobre mi proceso de diseño. Para comenzar, decidí resumirlo a grandes rasgos pero esenciales pasos en 4 tips. Soy una capricorniana con ascendente en acuario, lo que quiere decir, el contraste mismo en persona. Sí, black and light. Disfruto muchísimo ser estructurada y by the book para luego aventar el book, hacerlo a mi manera y probar que pasa. 

  1. Observar 

Gracias a la luz, el mundo puede ser visto. Sin tomar en cuenta que es uno de los estímulos principales del ser humano. Ejemplo: el día empieza cuando sale el sol y acaba cuando ya no hay luz. 

2. Estudiando

Arquitectonicamente, nuestros paisajes son fijos. Es decir, fisicamente el espacio no cambia de no ser por la luz y el tipo de luz que esté iluminando el aire y el objeto reflejado que parece crear la calidad de ese día o ese momento. Estudiar el por qué de las cosas, de los movimientos, de las escenas y acciones, de la circunstancia, la hora del día y de los personajes. 

3. Diálogo/Comunicación.

Por que hablando y preguntando también se llega a Roma.

4. Practicando. 

La práctica hace al maestro. En mi experiencia, aunque bueno, aplicar la teoría se vuelve distinto en la práctica (casi como sentido común, independientemente de que Gucci diga lo contrario) siendo asistente y empezar a diseñar de manera profesional, ha sido la mejor escuela que he tenido. Siendo asistente en particular, ya que, mi querido maestro jamás deja de ser maestro. Los proyectos se vuelven una escuela y dialogamos sobre la teoría y la práctica a la par de realizar una visión en el espacio escénico. Además del maravilloso plus que a mis proyectos personales llego con una mayor seguridad del conocimiento adquirido anteriormente. 

Diálogo entre iluminador y director

¿Cómo se inicia una relación entre creativos? Alguno de los dos da el primer paso. La relación depende fundamentalmente en el carácter. 

Quise escribir sobre este tema porque existen muchas ideas, erróneas en su mayoría a mi parecer, sobre esta relación que es fundamental para la puesta en escena. Aquí les van algunas de mis reflexiones, al respecto. 

Empecemos con que es un trabajo de colaboración y comunicación. No se trata de jerarquías sino de concebir ideas, visiones y crear. Para que esto suceda, debe de existir libertad y esa siempre es una decisión personal. Confrontarse es enriquecer la pieza, el objetivo en común es que en palabras burdas, el trabajo quede bien. Lograr los cometidos. Realizar la visión concebida.

No hay manera de separar la escenografía de la luz ni la luz de la escena. La luz hace que la materia exista y la materia hace visible a la luz. En relación a la luz se diseña el espacio. Por lo tanto, desde ambas partes hay que pensar como director, autor, iluminador, vestuarista, actor, bailarín y coreógrafo. La obra no es de uno solo, la obra es mía como de la actriz y la directora. 

La negociación es con los técnicos a la hora del montaje, con el director se dialoga porque tanto el diseñador como el director se encuentra la visión, la necesidad de hacer realidad lo que se esta trabajando en conjunto. Encontrar el tono de la pieza reflejada en el espacio escénico. Lo humano, como en todas las relaciones, debe estar siempre presente. 

Cuerpos de luz: Apuntes sobre la iluminación escénica

¿Cómo se imaginan que funciona la luz en un espectáculo?

Empecemos con un principio básico para el ser humano: Gracias a la luz, el mundo puede ser visto. Es uno de los estímulos principales del ser humano. Ejemplo: el día empieza cuando sale el sol y acaba cuando ya no hay luz. 

Arquitectonicamente, nuestros paisajes son fijos. Es decir, fisicamente el espacio no cambia de no ser por la luz y el tipo de luz que esté iluminando el aire y el objeto reflejado que parece crear la calidad de ese día o ese momento, la hora del día, etc. 

Si los paisajes no cambian, permanecen estáticos y lo que los hace parecer distintos es la luz, ese movimiento lumínico debe estudiarse rigurosamente para que el objeto que refleja esa luz denote una atmósfera determinada. Lo mismo sucede con la escena, ésta cambia gracias a la luz. ¿Desde dónde debe iluminarse? ¿Cómo debe cambiar? Es el momento para plantear y responder preguntas. 

Pensemos en algo que valga la pena mirar por si solo o que cobre sentido sólo cuando es habitado por emociones. Pareciera que va de la mano, no?… ¿Cómo es que un objeto recibe una carga emotiva? La experiencia, el tiempo, el símbolo y el significado, son algunos ejemplos. ¿Qué relación tengo con él? ¿Esa misma relación la tendrán los demás?

Llevo ya un tiempo indagando sobre el trabajo del iluminador escénico a lo largo de mi carrera profesional  con la intención tanto de reflexionar como de compartir el conocimiento y he llegado a la conclusión de que consiste en la habilidad de concebir una visión para la realidad de la ficción. En palabras de Richard Pilbrow, “living light for living people”(2000) (iluminación viva para gente viva). 

Situando el contexto del campo laboral en la iluminación en Mexico, contexto del iluminador en el pais              Abordar problemáticas  mi búsqueda personal y, sobre todo, a indagar en mi propio trabajo, he encontrado también algunas limitantes. 

Estudié escenografía e iluminación en la Escuela Nacional de Arte Teatral. Sin embargo, a la hora de querer investigar más sobre el diseño de iluminación, me di cuenta que es muy poca la teoría que se ha generado específicamente alrededor de la iluminación escénica. La bibliografía es escasa y, además, cuenta con la desventaja de ser cara y no estar en español. Apenas está el libro de Arturo Nava(2015) y Eli Sirlin(2006). Las revistas de iluminación se centran en espacios arquitectónicos (tanto interiores como exteriores), y en el trabajo cinematográfico, dejando de lado la escena. 

Pareciera que un iluminador sólo se forma “sobre la marcha”. ¿Por qué no se ha estudiado la iluminación con el mismo rigor que los métodos de técnica en danza clásica, contemporánea, coreografía ó bailarina ejecutante? Considero indispensable la generación de teoría e información sobre nuestro trabajo para se comprenda su importancia en las artes escénicas.

El arte necesita de fondo y forma para llevarse a cabo. Podría parecer que la iluminación únicamente es parte de esa forma en que un espectáculo es presentado, sin embargo, para poder dotar de vida a la escena, la iluminación debe tener un diálogo con aquello que toca con la luz. La palabra teatro significa lugar desde el que se mira y esa mirada física no sería posible con ausencia de luz. 

Más allá de enfatizar y señalar las emociones, la luz es un elemento que unifica una puesta en escena, dándole mayor significado al resultado final. Mi trabajo es parecido a pintar de manera tridimensional: deben cuidarse los colores y las formas, al mismo tiempo que debe tener un sentido estético y emotivo.

Proceso de diseñar iluminación, para mi, consiste en hacerme varias preguntas constantemente, pensar en qué sensaciones me genera la pieza u obra que voy a iluminar, recordar, investigar, recolectar pistas para luego estudiarlas, observar ensayos, imaginar e imaginar hasta llegar a un punto introspectivo en el diálogo conmigo a la par del diálogo con el director. En palabras de Richard Pilbrow Imaginar ó concebir una visión y trabajar para hacerla realidad. 

Gracias a la tecnología y el gran desarrollo que ésta ha tenido a lo largo de los últimos años, hemos podido tener mayores herramientas para manipular la luz en el escenario. Es decir,  aprovechar al máximo el poder visual y emocional que aporta la iluminación. Aplicarle un poco de esto a la escena para acompañar e influenciar la acción con todo el potencial dramático que tiene. La chispa adecuada de estos elementos en el espacio escénico habitado por el actor(ó bailarín, cantante de ópera, etc) y estaremos creando un teatro vivo y alucinante… ó al menos, intentándolo. 

Hablemos de luz

Bienvenidas a este proyecto que ya tiene bastante tiempo cocinándose. Soy una apasionada de la luz, a veces con demasiadas ideas en la cabeza y otras tantas, no tanto. Este es un espacio para reflexionar sobre el quehacer escénico, principalmente enfocado hacia la iluminación.

Todos sus reviews son más que bienvenidos. Aquí un poco de mi cabeza y ojo.

¡¡¡HABLEMOS DE LUZ!!!